El despertar de la conciencia



FICHA TÉCNICA

  • Obra: El despertar de la conciencia.
  • Autor: William Holman Hunt.
  • Cronología: 1853.
  • Estilo: Prerrafaelismo.
  • Técnica: Óleo.
  • Soporte: Lienzo.
  • Ubicación: Tate Britain, Londres, Inglaterra.



ANÁLISIS ICONOGRÁFICO

El cuadro nos muestra una estancia privada, ricamente decorada, en la que aparecen dos personajes en actitud cariñosa. Ella está sentada en el regazo de él, mientras él le habla. Pero para analizar esta obra es clave el título: El despertar de la conciencia.

Esta obra es una crítica social y moral, expresada por el pintor William Holman Hunt contra los valores morales degradados de la sociedad victoriana de la época. En la obra lo que vemos es una pareja de amantes, pero él no está pretendiéndola ni pretende casarse con ella, sino que simplemente la está utilizando para mantener relaciones sexuales esporádicas. Ella, que hasta el momento no se había planteado las consecuencias de dichos actos, en este momento cae en la cuenta, y su conciencia se despierta. Es el momento exacto en el que ella se da cuenta de la situación: cuando él la abandone para casarse con una mujer virgen, ella será tachada de impura y acabará como prostituta o como alcohólica.

En el momento de la pintura, la crítica de Holman Hunt es hacia la lujuria y las relaciones extramatrimoniales, pero desde los ojos de hoy podríamos tomarlo como un punto de reflexión del destino fatal de la mujer al que se la induce por llevar a cabo los deseos del hombre, mientras que a él no se le aplica la misma escala de moralismos y desde luego, ningún castigo o marginación social, como sí se da en el caso femenino.

A nivel iconográfico, hay muchos elementos que nos cuentan lo que está pasando. En primer lugar, respecto a los personajes, podemos observar que el sombrero de él está situado encima de la mesa en lugar de apropiadamente colgado en su sitio, por lo tanto no es su casa ni tiene pensado quedarse mucho rato. Es la casa de ella, a donde él va a satisfacer sus deseos carnales. Ella, sin embargo, lleva múltiples anillos pero ninguno en el dedo del compromiso, elemento clave para descifrar que es solo una amante.

Detalle de las manos de la joven.
La parte inferior de la composición es un caos: vemos un guante sucio, que alude al probable destino de la joven, vemos también que la alfombra se está deshilachando, esto puede ser una referencia a aquello que se sale de su camino, a la mujer saliéndose del camino correcto al igual que el hilo se ha salido del patrón textil. Aparece también un gato cazando a un pájaro, y mirando directamente a la pareja protagonista, como indicando que del mismo modo que él ha cazado al pájaro, el hombre la ha cazado a ella.

El gato y el pájaro.
Por último, la partitura que está situada en el piano nos da la clave del elemento que ha hecho reaccionar la moral de la joven: la música. Ambos amantes estaban tocando el piano, y la letra de la partitura del piano, que se corresponde a la canción Oft in the Stilly Night de Thomas Moore. Esta canción habla del pasado y de la melancolía, y probablemente esta letra es la que ha despertado la conciencia de la protagonista. La canción dice así:

Muchas veces, y en la noche Silenciosa,
Antes que la cadena de sueños me ha obligado,
La memoria vana trae la luz
De otros días que me rodean;
Las sonrisas, las lágrimas,
De los años de la infancia,
Las palabras de amor entonces hablaron;
Los ojos que brillaban,
Ahora debilitados se han ido,
¡Los corazones alegres ahora están rotos!
Así, en la noche Silenciosa,
Antes que la cadena de sueños me ha obligado,
Triste recuerdo trae la luz
De otros días que me rodean.

Cuando recuerdo todo
Los amigos, tan estrechamente unidos,
Los he visto caer a mi alrededor,
Al igual que las hojas en tiempo invernal;
Me siento como único
Quién pisa solo
Algunos en un salón de banquetes desierto,
Cuyas luces están huyendo,
Cuyas guirnaldas están muertas,
¡Y todos sin embargo se marcharon!
Así, en la noche Silenciosa,
Antes que la cadena sueños me ha obligado,
Triste recuerdo trae la luz
De otros días que me rodean.

La partitura.
ANÁLISIS FORMAL

A nivel formal, tiene una composición muy dinámica dada por los fondos y por la colocación de los elementos metafóricos. Los protagonistas de la escena aparecen en el eje central del lienzo, ella en una posición vertical mientras que él en una actitud relajada que le da horizontalidad. La parte superior del cuadro está definida en forma de elipsis, y esta elipsis sigue dentro del propio lienzo formando un círculo completo: la mitad del círculo es el propio exterior del cuadro, mientras que en el interior encontramos una disposición inferior en forma curva, con la pata de la mesa, el rollo que está en el suelo, los hilos, la pata del piano y el pie del hombre.

La escena está evidentemente cortada, no aparece con un enfoque clásico sino que se ha querido dar una sensación espacial agobiante, como metáfora de la cautividad de la joven. Esto se ha conseguido al no plasmar el techo de la estancia, al pintar algunos elementos a medias como en el caso de la mesa o el piano, y sobre todo con el uso del espejo de fondo. Este espejo es clave, porque refleja el exterior y la libertad que la joven va a aspirar a alcanzar a partir de este momento para evitar un destino fatal. En este espejo vemos plasmada la naturaleza y la luz que hay en el exterior, en contraposición a lo cargado y cerrado que se respira en el interior. El papel pintado de la pared se confunde con la moqueta, creando un contraste de colores y una riqueza de decorados bellísima, pero que alude a lo sobrecargado y a lo artificial como algo negativo, como algo que es contrario a la naturaleza y por tanto inferior.

La riqueza de tejidos es evidente en esta obra y le confiere un ritmo dinámico y colorido, pese al estatismo general formal que queda compensado de esta forma. Cabe decir que el único movimiento detectable en el cuadro es el impulso que la joven está cogiendo hacia delante, para moverse y alejarse (tanto física como metafóricamente) de aquel hombre que le va a causar la desgracia.

Finalmente cabe decir que esta obra fue concebida para exhibirse junto a otra obra de este autor, La luz del mundo, que muestra a Jesucristo envuelto en una tenue luz en un jardín. Ambos cuadros vendrían a decir en conjunto que Jesucristo es capaz de hacer llegar la luz y la moralidad cristiana incluso a las personas más corruptas y lujuriosas. La escena conectaría, valga la redundancia, por la luz. Se relacionaría la luz que entra por la ventana de El despertar de la conciencia con la que emite el propio Jesús desde La luz del mundo. Casi se podrían exponer la una frente a la otra como si se crease un canal de comunicación en el que el propio Jesucristo ilumina la conciencia de la joven. William Holman Hunt era un artista de profunda religiosidad y de hermosa poética pictórica.

CURIOSIDADES

La modelo de la obra es Annie Miller, que era la mujer de compañía del pintor, William Holman Hunt. Annie se había dedicado al modelaje y a la prostitución (de hecho, había mantenido relaciones con otros miembros de la hermandad prerrafaelita como Rossetti) y William pretendía que ella abandonase ese mundo y se convirtiese en su mujer, en una esposa formal de la alta sociedad. Con este cuadro, Holman Hunt pretendería hacer llegar a su propia compañera este despertar, esta conciencia de su baja moralidad. Este no fue el resultado, ya que Annie quiso seguir viviendo la vida a su manera, se alejó de Holmant Hunt y finalmente contrajo matrimonio, muchos años después, con otro hombre.

BIBLIOGRAFÍA Y WEBGRAFÍA

BIRCHALL, Heather. Prerrafaelitas. Madrid, 2010. Ed. Taschen.
Centauro cabalgante:
DES CARS, Laurence. The Pre-Raphaelites. Romance and Realism. 2000. Thames & Hudson.
MARSH, Jan. Pre Raphaelite Sisterhood. 1985. Ed. Quartet Books.
Steampunk Opera:
Tate Britain:
19th Century:


Celia Ramiro

No hay comentarios:

Publicar un comentario