COMENTARIO HISTÓRICO ARTÍSTICO DE LA LACTANCIA DE SAN BERNARDO
CONTEXTO HISTÓRICO
20 de agosto, onomástica de San Bernardo de Claraval. Nació
en 1090 en la localidad borgoñesa de Fontaine-lès-Dijon, concretamente en el
castillo de la ciudad. Era hijo de los señores del mismo y fue criado como
correspondía a su nobleza.
Pese a la oposición de su familia a que ingresara en un monasterio,
la muerte de su madre le facilitó el camino. Además, consiguió que parte de
ellos se unieran y juraran sus votos monacales también. Por ello, Bernardo se
ganó el apodo de “el cazador de almas y vocaciones”. Consiguió convencer a 900 monjes para que siguieran sus pasos.
Estos dos cuadros no se pueden comprender sin conocer la
figura de San Bernardo, un hombre que en sus predicaciones desprendía un gran
amor hacia la figura de la Virgen María. Fue un adelantado en la Iglesia
Católica, ya que en plenos siglo XII ya la consideraba la figura intercesora
ante el fiel y su Hijo.
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| Plano de la abadía de Claraval. |
La famosa letra de la “Salve”: “Oh clementísima, oh piadosa,
oh dulce Virgen María”. Muchos la habrán cantado o rezado, pero pocos sabrán que
es a Bernardo de Claraval a quien se le deben esos versos.
Fundador del monasterio cisterciense del Claraval, de ahí su
apodo. Fallece allí mismo en el año 1153. Tardarían muy poco en canonizarlo,
pues en 1174 fue declarado santo por el papa Alejandro III. Al poco tiempo fue
considerado Doctor de la Iglesia.
Es cronológicamente el último Padre de la Iglesia, pero
aportó una gran cantidad de sermones y textos en los que siempre la figura
principal es la mediación universal de la Virgen en todas las circunstancias.
Las pinturas que vamos a analizar son del siglo XVII, cinco
siglos después de la existencia del santo. Es un tema que se recupera en el
barroco por su espectacularidad y simbología. Un tiempo en el que la figura de
la Virgen vuelve a ser importante, con el debate sobre la Inmaculada Concepción
de María. Tema muy tratado por Murillo y también por Alonso Cano, los artistas
que vamos a ver a continuación.
FICHA TÉCNICA
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Título: San Bernardo y la Virgen.
·
Autor: Alonso Cano.
·
Cronología: 1645-1652.
·
Estilo: Barroco.
·
Técnica: Óleo sobre lienzo.
·
Ubicación: Museo del Prado (Madrid,
España).
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| San Bernardo y la Virgen. Fuente: Museo del Prado. |
ANÁLISIS DE LA OBRA
La escena que se relata es el hecho milagroso de la Virgen
María con el Niño en sus brazos ante San Bernardo. Ella le ofrece leche de uno
de sus pechos por la gran devoción que el santo le demuestra durante toda su
vida.
La escena se recoge dentro de un habitáculo, que se comprende
es una capilla de oración. Bernardo aparece arrodillado ante un altar presidido
por la figura de la Virgen con el Niño. La representación de San Bernardo es
prodigiosa en cuanto al tratado de su retrato y la expresividad de sus manos. Gran
trabajo en los pliegues de su hábito que permiten jugar con el claro-oscuro gracias
a que la luz se centra en él.
Alonso Cano tenía un gran gusto por la representación
arquitectónica, así lo demuestra en la elaboración de la reja del óculo, único
elemento decorativo de la sala para no distraer la atención del fiel. No por
ello, carente de detallismo y simbología, como el caso de los cipreses del
fondo, con una clara intencionalidad ascendente, tanto física como
espiritualmente.
La Virgen con el Niño, la escultura que preside la capilla,
sigue los modelos de azul-púrpura previos al tratado “El Arte de la Pintura”
de Francisco Pacheco. Modelo que sí seguirá Murillo, como veremos más adelante.
Un cardenal observando la escena completa el misterio. Algunas
atribuciones citan que se trata del cardenal Sandoval y Rojas. Fue arzobispo de
Toledo en el siglo XVII y fue un gran impulsor de los Capuchinos en la ciudad. Este
cuadro se encontraba en el monasterio de los Capuchinos de Toledo, por lo que
puede tener sentido la aparición del cardenal.
En el siglo XIX pasó a manos del infante don Sebastián Gabriel
de Borbón para que en 1968 se hiciera con él el Museo del Prado, donde sigue a
día de hoy.
FICHA TÉCNICA
·
Título: Aparición de la Virgen a San
Bernardo.
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Autor: Bartolomé Esteban Murillo.
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Cronología: Hacia 1655.
·
Estilo: Barroco.
·
Técnica: Óleo sobre lienzo.
·
Ubicación: Museo del Prado (Madrid,
España).
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| Aparición de la Virgen a San Bernardo. Fuente: Museo del Prado. |
ANÁLISIS DE LA OBRA
Murillo ha pasado a la historia por ser el pintor de
Inmaculadas, pero en este caso se sale de esa temática para mostrar cómo la
Virgen se le aparece al santo.
Hay una diferencia con la obra de Alonso Cano y es que la Virgen
en este caso no es una escultura, sino que aparece de forma milagrosa. Murillo
representa como ningún otro artista los rompimientos de gloria, conseguía
unificar en un cuadro el mundo real y el celestial con tipos cercanos. Hacía lo
divino, humano.
Esa característica la podemos contemplar en la figura de
María que porta a su Hijo mientras con el otro brazo aprieta su pecho para
entregarle leche a San Bernardo como premio a sus oraciones.
En verdad, si separáramos el rompimiento de gloria podríamos
estar ante una de las figuras inmaculistas de Murillo. Un espacio celestial con
una corte angelical de putti, que no dejan de ser niños representados de forma
magistral por el pintor sevillano.
Mientras, en la zona terrenal, San Bernardo se arrodilla
ante la Virgen y con sus manos nos indica cómo se entrega ante Ella. De nuevo,
el juego de luces y sombras es soberbio. La luz desprendida por María se
refleja en el santo, dejando en sombra sus espaldas y el resto de la habitación.
En este caso, parece que la Virgen se le aparece en la
biblioteca, ya que podemos ver como en el escritorio hay varios libros y un
tintero. Referencia a sus numerosos escritos sobre María, como las flores de azucena
que simbolizan la pureza de la Virgen.
A sus pies, un báculo de mando, ya que fue abad del
monasterio de Claraval hasta el día de su muerte. Además, acabó siendo
considerado Padre y Doctor de la Iglesia.
De Murillo nunca se pueden olvidar los tipos coloquiales,
los retratos del día a día que vería por la Sevilla del XVII, como el caso del
angelito (niño) en sombra detrás de la Virgen María, una actitud que mucho
habremos visto en menores que se esconden detrás de sus padres/madres tras
haber hecho alguna trastada o por vergüenza.
Hay que detenerse en cada retrato de los niños de Murillo,
son una delicia. Ya lo dijo el historiador del arte, Diego Angulo Íñiguez “es
el creador de un tema completamente nuevo en la pintura española de su siglo,
el tema de los niños. (…) Salvo El Greco, Velázquez y Goya, no hay pintores que
puedan considerarse superiores a él”.
BIBLIOGRAFÍA
BARTHELET, Philippe: San Bernardo. Madrid. 2001.
CORDERO, Miguel: Murillo. Madrid. 2004.
PACHECO, Francisco: Arte de la Pintura, su Antigüedad y
Grandezas. Madrid. 1871.
PÉREZ SÁNCHEZ MARTÍN, Domingo: El arte del barroco: escultura-pintura
y artes decorativas. Sevilla. 1991.
Álvaro Iglesias Galán
COMENTARIO HISTÓRICO ARTÍSTICO DE ÁNGEL CUSTODIO
FICHA TÉCNICA
- Obra: Ángel custodio del Reino de Valencia
- Autor: Juan de Juanes
- Cronología: 1555-1560
- Estilo: Renacimiento
- Material o materiales: Óleo
- Técnicas: Óleo sobre tabla
- Soporte: Tabla
- Ubicación: Museo de la Catedral de Valencia
COMENTARIO HISTÓRICO ARTÍSTICO DE TESEO Y EL MINOTAURO
FICHA TÉCNICA
- Título: Teseo y el minotauro
- Autor: Antonio Canova
- Cronología: 1781/1783
- Estilo: Neoclasicismo
- Material: Mármol
- Ubicación: Victoria and Albert Museum, Londres
COMENTARIO HISTÓRICO ARTÍSTICO DEL TAPIZ DE BAYEUX
FICHA TÉCNICA
- Título: El tapiz de Bayeux
- Autor: Anónimo
- Cronología: hacia 1066
- Estilo: Románico
- Técnica: bordado
- Soporte: tela de lino e hilos coloreados de lana con pigmentos naturales
- Dimensiones: 50 x 7034 cm
- Ubicación: Musee de la Tapisserie de Bayeux, Normandía
CONTEXTO HISTÓRICO ARTÍSTICO
El tapiz de Bayeux es uno de los documentos históricos más importantes que relata la lucha entre los normandos e ingleses dando lugar a la famosa batalla de Hastings. Tras la muerte de Eduardo el Confesor (1003-1066), el hombre más poderoso y rico del reino, Harold Godwinson, recibió el trono. Sin embargo, este hecho supuso el inicio de un enfrentamiento entre Harold y el duque de Normandía, Guillermo, por el poder real ya que, Eduardo el Confesor, también le había prometido entregarle el trono de Inglaterra a este. Fue por este motivo que Guillermo, decidió emprender una guerra en contra de su enemigo y así obtener lo que legítimamente le correspondía. Tras la lucha emprendida entre los dos frentes, Guillermo logra matar a Harold y el 25 de diciembre de 1066 fue coronado como rey de Inglaterra sin renunciar a su título de primer soberano normando.
Esta victoria tenía que ser recordada en el tiempo y fue por esta razón que se encomienda elaborar esta preciosa tela en la que encontramos bordadas las escenas previas a la batalla de Hastings. Algunas fuentes sostienen que quien mandó a diseñar el tapiz fue la esposa de Guillermo el Conquistador, Matilde. Pero, otras fuentes más fidedignas mantienen que, probablemente, quien fuese el promotor de esta enorme pieza fuese su hermanastro, el obispo de Beyaux Odo. De hecho, si nos fijamos en todas las escenas de este bordado, veremos algunos textos en los que aparece el nombre del obispo de manera constante.
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| El obispo Odo sentado bajo una arquitectura que podría ser un palacio |
Asimismo, algunas investigaciones mantienen que el tapiz fue elaborado en Inglaterra por la tradición del bordado en lana y por algunas comparaciones que se han hecho con manuscritos ingleses. El lugar para el que estuvo destinado también es cuestionado, aunque se sabe que hacia el siglo XV todavía se encontraba en la nave de la catedral de Bayeux. Incluso, es probable que esta conjetura fuese cierta, pues en una escena del tapiz vemos a Harold jurando fidelidad a Guillermo sobre las reliquias y los textos que acompañan esta escena mencionan que estas reliquias están dentro de la catedral de Bayeux. No obstante, hay que tener en cuenta las dimensiones del tapiz (70 metros de largo) y pensar que su ubicación pudo ser cualquier espacio destinado a glorificar las hazañas del rey Guillermo.
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| Harold tocando las reliquias y mostrando fidelidad ante Guillermo el Conquistador |
ANÁLISIS FORMAL
Este tapiz de 70,34 metros de largo y 50 centímetros de alto, narra la victoria de Guillermo el Conquistador sobre los ingleses y consta de varias piezas de tela que van unidas. Lamentablemente, se ha perdido la parte final del tapiz, en donde se supone que se detallaría la coronación de Guillermo como rey de Inglaterra.
En el detalle superior del tapiz vemos representada la ciudad de Bayeux sobre una colina y una arquitectura que bien podría ser una iglesia o un castillo. Además, las ilustraciones van acompañadas de un texto en latín para que la historia que se cuenta no se malinterprete. Es así como podemos leer arriba del todo: "Aquí viene Guillermo a Bayeux".
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| Guillermo el Conquistador entrando a la ciudad de Bayeux |
Otro de los aspectos importantes que hay que destacar de todo el tapiz son las decoraciones y detalles que se encuentran en los bordes superiores e inferiores. Este tipo de representaciones de animales fantásticos y simbólicos se acompañan también de de figuras de cadáveres desnudos o mutilados. En otros momentos de la narración, se puede observar ese halago que se hace a la clase caballeresca y su papel de victoria dentro de la batalla. Además, encontramos las representaciones de todo tipo de embarcaciones, formas de vida y actitudes que nos acercan a determinados momentos de la Edad Media. Sin duda, este tapiz nos ayuda a entender cómo eran esas campañas y operaciones militares que se daban durante este periodo.
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| Flotas atravesando el Canal de la Mancha para dirigirse a Hastings |
La última fase del tapiz representa la batalla en Hastings en donde murió Harold, y en las escenas podemos contemplar cómo las figuras representadas cobran un mayor dinamismo, pues estamos ante el momento álgido de toda la historia: la victoria de Guillermo el Conquistador. Por eso, vemos a los caballos como si estuvieran galopando fuertemente - y también de patas arriba - la lucha con las espadas, etc. Parece que el ritmo de esta narración se marca a través de los árboles o personajes de espaldas que separan unas escenas de otras.
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| Escena de la batalla de Hastings |
Cristina Reyes Pacheco
La preparación para la eternidad: la tradición de la momificación egipcia
Creencias y rituales alrededor del cuerpo y la muerte
Los egipcios poseían un concepto del cuerpo con connotaciones religiosas muy arraigadas a su cultura y sobre todo a la cultura funeraria. Creían que en el cuerpo, llamado sak y en el corazón, ib, residían otras partes importantes del ser humano, como son el ka, lo que conocemos como alma, el ba, refiriéndose al espíritu o a lo que nosotros entenderíamos como la personalidad que hace propia a una persona, el akn, la unión que se consigue del ka y el ba si se ha hecho una correcta preparación del cuerpo para el viaje al Más Allá. Y por último el ren y el shuwt que son el nombre propio de la persona y su sombra. Estas dos partes unidas se creía que protegía el cuerpo de cada ser humano.
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