ANÁLISIS ICONOGRÁFICO

“El placer de viajar consiste en los obstáculos, la fatiga e incluso el peligro. Qué encanto puede encontrar nadie en una excursión cuando está siempre seguro de su destino”.

Theophile Gautier

Si el ojo del espectador es diestro a la hora de contemplar el cuadro, descubrirá que la respuesta a la cuestión planteada se halla en la mesa, en concreto, en el pliego de papel que contiene el mapa de Italia y sobre el que recae la atención de los personajes.

Este hecho modifica el tema iconográfico de la pintura, adquiriendo un matiz diverso, ya que los personajes están inmersos en la planificación del Grand Tour por el continente, viaje que fue crucial para la historia del arte y la literatura.

Pero, ¿Qué es el Grand Tour? Dando una somera definición ésta sería la del viaje que realizaban los jóvenes aristócratas británicos por el continente en el siglo XVIII. Sin embargo, es mucho más complejo y va mucho más allá de esta simple definición.

Para conocer el origen del Grand Tour, debemos remontarnos al siglo XV. Durante este siglo, comenzó a difundirse el ideario renacentista, pues, artistas e intelectuales europeos empezaron a ver a las repúblicas italianas como el lugar idóneo del desarrollo cultural. Los primeros viajaron a Italia para formarse en los talleres de la Florencia Medicea, Venecia y la Roma vaticana. Los segundos prefirieron instalarse en las cortes de Urbino, Ferrara y Nápoles. Por el contrario, artistas e intelectuales italianos fueron a las ciudades y universidades europeas. Este trasiego cultural hizo que Italia, a finales del siglo XV, se erigiera como el destino ansiado y predilecto por artistas y humanistas.

La fascinación por la península itálica siguió creciendo en los siglos XVI y XVII. Además de artistas y eruditos, la clase nobiliaria empezó a interesarse por il bel Paese, calando hondo entre los aristócratas ingleses. Los Condes de Arundel Thomas Howard y su esposa Alethea Talbot fueron los primeros tourists, al visitar Italia entre 1612-14 y sirviendo dicha estancia como una inmersión en la cultura y el inicio del gusto por coleccionar piezas escultóricas clásicas.

Estos tímidos pasos hicieron que, hacia 1670, Richard Lassels empezara a acuñar el término del Grand Tour. Este sacerdote y escritor inauguró la primera fase del gran viaje que se desarrollaría entre finales del siglo XVII y el XVIII.

Este viaje iniciático lo harían, como signo de refinamiento y buen gusto, los hijos de los aristócratas ingleses para adquirir conocimientos de cultura clásica y completar la formación de las publics schools británicas.

Acompañados por un preceptor (bear leader), iniciarían el itinerario saliendo del puerto inglés de Dover para llegar a la costa francesa, entrando o bien por Calais o por Boulogne. De ahí, emprenderían el camino hacia París. En la capital francesa, adoptarían las maneras del continente, cambiando la forma de vestir y empapándose de las ideas de la Ilustración. De camino a Italia, estos tourists ingleses recorrerían Francia, interesándose especialmente por el sur, visitando los vestigios romanos del país y la Provenza, para llegar, en última instancia, al puerto de Marsella y coger el barco que les llevaría o al puerto de Génova o al de Livorno. Otra opción de ir a Italia era por tierra bordeando la Riviera francesa.

Ya en suelo italiano, se ponían en contacto con otros compatriotas ingleses afincados en el país, quienes atendían las necesidades de estos viajeros. El itinerario empezaba en Florencia, con visita obligada a la Galería de los Medici (Uffizi), y la asistencia a las fiestas de sir Horace Mann o Bonnie Prince Charles. Tras Florencia, se iba a Roma, para contemplar los monumentos romanos; los Museos Vaticanos; San Pedro; la Capilla Sixtina; y la colección escultórica del Papa Pío Clemente. Además, se realizaban excursiones a las villas de Adriano en Tívoli y D´Este. Desde Roma el tourist se dirigía a Nápoles, para recorrer los yacimientos arqueológicos de Pompeya y Herculano, descubiertos en la primera mitad del XVIII, y el paisaje del Vesubio. La última parada del viaje era Venecia.

El retorno a Inglaterra se hacía atravesando Suiza; Alemania; y, de nuevo Francia, para coger el barco en Calais con destino Dover.

Este recorrido cambió en el siglo XIX, dando paso a una segunda fase del Grand Tour. Dejó de ser un viaje de estudios para convertirse en uno de placer, donde no sólo viajaban los aristócratas ingleses, sino que también lo hacía la alta burguesía industrial tanto inglesa como americana, sobre todo a partir de la segunda mitad del siglo. Además de visitar Italia, ganaron adeptos otros países de Europa por sus múltiples atractivos.

-Uno de ellos fue Suiza. En el XVIII, los tourists acudían al país para visitar a Voltaire, exiliado en el Lago Lemán, cerca de Ginebra, y a Madame de Stael en el Castillo de Coppet. En el XIX, ejerció una fuerte influencia entre los paisajistas románticos y los literatos ingleses, siendo el país en el que nacería el Frankestein de Mary Shelley y el destino de invierno preferido después de que el Sherlock Holmes de sir Arthur Conan Doyle se enfrentara al Profesor Moriarty en la famosa cascada de Reichenbach.

-Alemania ganó en visitantes, puesto que fue país de paso en el regreso de los tourists de Italia. El atractivo lo constituyeron los paisajes y castillos alemanes y las ciudades de Munich; Dresde; Heidelberg; Berlín y Postdam. A finales de siglo, se puso de moda ir a tomar los baños a los balnearios de Baden Baden.

-La Grecia de Lord Byron, antes y después del conflicto greco turco, fue parada imprescindible, gracias al interés que despertaron los yacimientos griegos.

-Turquía; Jesusalem y los países del norte de África también fueron motivo de visita. La traducción de Las 1001 noches despertó el interés de los occidentales, quienes comenzaron a viajar a estas zonas cautivados por la visión exótica, sensual y muy estereotipada de las costumbres de estos países.

-Y, por último, España. En el siglo XVIII estuvo fuera del circuito del Grand Tour, pero cobró protagonismo en el XIX, concretamente, entre 1830-40. El interés radicó en la riqueza histórica y en la visión pintoresca y estereotipada que presentaba el país a ojos de los viajeros, que buscaban la belleza de la Alhambra, lugar que sedujo al escritor estadounidense Washington Irving y que reflejó en Cuentos de la Alhambra (1832); la hermosura de las mujeres extremeñas y andaluzas; y el costumbrismo popular.

            La decadencia y final del Grand Tour llegó a finales del siglo XIX y principios del XX. Italia, a causa de la aparición de otros destinos, perdió su fuerza y Roma, que hasta la fecha era la capital artística por excelencia, fue cambiada por París. Por lo tanto, se ponía punto y final a 150 años a un viaje que sentó las bases de lo que es el turismo actual y tuvo un gran impacto en los ámbitos artísticos y literarios.

            Para la literatura supuso la aparición de un nuevo género literario, al proliferar los libros de viajes en los que se daban descripciones de lugares y consejos sobre los mejores caminos para transitar y las posadas y postas para descansar. Destacaron títulos como: Viaje a Italia (1670) de Richard Lassels, en el que se habla por primera vez del término Grand Tour; o Memorias de un turista de Sthendal, publicado en 1883.

            Para el arte fue un periodo de esplendor:

-Se creó un foco cultural en Roma en torno al Caffè degl´inglesi, congregando a la colonia de los británicos en la ciudad.

-Dio fama a grandes artistas como Canaletto, cuyas pinturas fueron objeto de compra por los tourists; Piranesi, que realizó los grabados de las principales ruinas romanas; y Pompeo Batoni, quien se erigió como el retratista de mayor éxito, debido a que los tourists ingleses sólo eran retratados por él. Muchas obras de estos autores han acabado en las grandes instituciones museísticas.

-Aparecieron los cicerone que guiaban a los viajeros por Italia como Thomas Jenkins o James Byre, que impartía cursos sobre antigüedades romanas.

-Nació el Orientalismo como estilo artístico, gracias al interés por los países de Asia central y norte de África.

-Y se incentivó la compra de piezas clásicas para crear las grandes colecciones de los tourists, constituyendo un sinónimo de prestigio para sus poseedores. Esto conllevó que surgieran expertos en tasación y catalogación de arte grecolatino, ya que, en muchas ocasiones, los tourists eran engañados en sus compras de piezas antiguas, pues muchos marchantes les vendían piezas falsas.

Centrándonos en el pintor, Emil Brack es uno de los pocos autores que se atreven a plantearnos el Grand Tour como tema iconográfico. Con una maestría sensacional, nos muestra el paso previo a la organización del viaje, plasmando a la pareja ultimando los detalles. Aquí, deja patente las características plásticas de su estilo, apreciándose los siguientes rasgos:

-El detallismo cuasi fotográfico propio del Realismo, el cual conoce gracias a su estancia en París. La nitidez con la que se ven el estampado de la alfombra; los lomos de los libros; el cuadro de paisaje de la pared o el esmaltado del jarrón esmaltados, nos da cuenta de la destreza del pintor y nos hace plantearnos si estamos ante un cuadro o una fotografía.

-Y el gusto por las escenas de interior de estilo imperio. Recrea con gran virtuosismo la moda; la decoración y el mobiliario con aires clásicos de principios del XIX, ganándose a pulso su fama de pintor de escenas de género cotidiano, que son su especialidad además del retrato. 

Fotografia de Emil Brack

CURIOSIDADES

El Grand Tour, a la hora de elaborar el contexto histórico de las tramas, se ha hecho hueco en la literatura. Ello ha conllevado que ciertos personajes, que tienen relación con el gran viaje, posean un matiz bastante interesante si en ellos convergen los parámetros de: Grand Tour, aristocracia y arte.

El primer ejemplo lo encontramos en Benedict Bridgerton de la saga literaria Bridgerton de Julia Quinn. Realizando una breve biografía, gracias a los datos obtenidos de las lecturas de los tomos 3, 4 y 9 y a la licencia artística de la adaptación televisiva (Bridgerton, Chris Van Dusen, 2020), sabemos que este personaje es aristócrata, al ser el segundo hijo del Vizconde Edmund Bridgerton. Ha estudiado en las publics schools inglesas y completado su formación con el Grand Tour por Italia. Sin embargo, este viaje adquiere un matiz diferente en él, debido a que ha podido influir en otra parte de su personalidad: la de pintor. Representa, de hecho, el paradigma del pintor inglés decimonónico. De formación autodidacta, aunque frecuenta los ambientes artísticos de Lord Granville. Su especialidad son los dibujos a carboncillo y las pinturas de temática de paisaje, teniendo dos expuestos en la National Gallery de Londres; los retratos, de los miembros de su familia sobre todo; y las escenas cotidianas, de índole familiar.

El segundo es Colin Bridgerton, hermano del anterior y perteneciente a la misma saga literaria. Biográficamente, tras la lectura del tomo 4 y la licencia artística de la serie Bridgerton (Chris Van Dusen, 2020), conocemos que este personaje es el miembro viajero de la familia Bridgerton. Ha realizado el gran viaje, visitando el destino predilecto de los tourists: Italia. Además, ha recorrido Escocia, destino bastante atípico, Chipre y Grecia, país al que no puede ir debido al conflicto bélico greco turco, pues en 1824, año en el que transcurre su historia, se estaba produciendo la Guerra de Independencia Griega del Imperio Turco. Colin ejemplifica el epítome del viajero romántico inglés. Sus ansias de viajar le han conducido, por un lado, a descubrir la magnificencia de lugares nuevos y, por otro, destacar una parte de su personalidad: la de escritor. Pero no es un escritor cualquiera, sino que es un escritor de viajes reconocido, puesto que ha dejado constancia de sus periplos en sus diarios, y, animado por su esposa Penélope Bridgerton, los ha publicado bajo los títulos de: Un inglés en Italia, Un inglés en Escocia y Un inglés en Chipre, al estilo de los diarios de viajes de los tourists.

Imagen 1: Benedict Bridgerton, interpretado por Luke Thompson, frecuentando los ambientes artísticos. Fotograma de la serie Bridgerton (Chris Van Dusen, 2020). Imagen 2: Colin Bridgerton, interpretado por Luke Newton, consultando los libros y mapas de viajes, junta a su hermano Anthony Bridgerton, interpretado por Jonathan Bailey. Fotograma de la serie Bridgerton (Chris Van Dusen, 2020). Imagen 3: Lucy Honeychurch, interpretado por Helena Bonham Carter, visitando el monumento funerario de Dante Aligheri en Santa Croce en Florencia. Fotograma del film Una habitación con vistas (James Ivory, 1985)

El tercer personaje es Nicholas St. John de la saga literaria Amor en cifras de Sarah Maclean. Aristócrata de nacimiento, al ser el hermano gemelo del marqués de Ralston: Gabriel St. John. Su relación con el Grand Tour se debe a que es experto en antigüedades tanto orientales como grecolatinas, dedicándose a la catalogación y tasación de colecciones de piezas grecolatinas compradas durante el gran viaje. Además es miembro respetable de la Royal Society of Antiquites de Londres. Gracias a su interés por la mitología clásica y a su estancia en los países de la ruta del gran viaje: Italia y Grecia, donde se forma como experto en arte, es contratado por la que será su futura esposa Isabel, para catalogar la amplia colección de estatuaria griega que ésta posee.

El último personaje es el de Lucy Honeychurch de Una habitación con vistas de E.M. Forster. Si bien se sale de los parámetros de Grand Tour, aristocracia y arte al ser Lucy burguesa y no aristócrata como los personajes anteriores, se incluye porque encarna al tourist inglés de finales del XIX. En el libro, se observa el cambio operado en la realización del Grand Tour, que ha dejado atrás ese tono formativo y aristocrático que tenía en el siglo XVIII para convertirse en un viaje de placer burgués en el XIX. El autor, a lo largo de la primera parte, realiza una magistral crítica social, plasmando una visión estereotipada de Italia y los italianos, presentando la decadencia del país y la ignorancia de los italianos, y de los ingleses, representados como personas clasistas, que miran por encima del hombro tanto a los italianos como a los compatriotas residentes en Florencia, y esnobs, al presumir ante sus conocidos de haber visitado il bel Paese. Mediante Lucy y el resto de personajes, se ridiculiza al tourist inglés que acude a Florencia en busca de la belleza, aunque siguiendo las directrices establecidas bien por las visitas guiadas ofrecidas por otros ingleses; bien por las guías de viajes como la Baedeker, con recomendaciones de que ver en la ciudad a sugerencia de grandes personalidades como John Ruskin; o bien por los consejos de sus compatriotas residentes en Italia.

BIBLIOGRAFÍA Y WEBGRAFÍA

-FAERNA, José Mª, El viaje a España: La mirada anticlásica, Descubrir el Arte, Nº 258, 2016, p. 45-52.

-FARTHING, Stephen, Arte, toda la historia, Barcelona, 2010.

-FERNÁNDEZ FERNÁDEZ, Antonio y FERNÁNDEZ PORTELA, Julio, Paisajes y Turismo, Madrid, 2018.

-FOGG, Marnie, Moda, toda la historia, Barcelona, 2019.

-FORSTER, E. M., Una habitación con vistas, Barcelona, 1987.

-GARCÍA MARTÍN, Pedro, Grecia, norte de África, Estambul, Jerusalem: Las escalas de Levante, Descubrir el Arte, Nº 258, 2020, p. 38-44.

-GARCÍA MARTÍN, Pedro, Odisea de ida y vuelta, Descubrir el Arte, Nº 258, 2020, p. 18-20.

-JUNQUERA, Juan José y MORALES Y MARÍN, José Luis, Historia Universal del Arte, Vol. 8, Rococó y Neoclasicismo, Madrid, 1996.

-MACLEAN, Sarah, 10 lecciones para dar caza a un lord y que te adore, vol. 2, Saga El amor en cifras, Barcelona, 2021.

-MIGLIAVACCA, Carlo, Venezia: Serenissime vedute, Bell´Italia: alla scoperta del più bel paese del mondo, Nº 306, 2011, p. 72.

-PÉREZ VELARDE, Luis Alberto, El amor a las formas bellas, Descubrir el Arte, Nº 273, 2021, p. 23.

-PIJOÁN, José y GAYA NUÑO, Juan Antonio, Summa Artis, Historia general del Arte, Vol. 23, Arte Europeo de los siglos XIX y XX, Madrid, 1976.

-PIJOÁN, José, Summa Artis, Historia general del Arte, Vol. 16, Arte Barroco en Francia, Italia y Alemania en los siglos XVII y XVIII, Madrid, 1957.

-QUINN, Julia, Bridgerton: Felices para siempre, vol. 9, Saga Bridgerton, Madrid, 2020.

-QUINN, Julia, Seduciendo a Mr. Bridgerton, vol. 4, Saga Bridgerton, Barcelona, 2005.

-QUINN, Julia, Te doy mi corazón, vol. 3, Saga Bridgerton, Barcelona, 2005.

-RAMÍREZ, Juan Antonio, Historia del Arte, Vol. 4, El mundo contemporáneo, Madrid, 1996.

-REYES BLANC, Luis, El Grand Tour: Viaje iniciático, Descubrir el Arte, Nº 258, 2020, p. 21-29.

-RODRÍGUEZ RUIZ, Delfino, Historia del Arte: Barroco e Ilustración en Europa, vol. 3, Historia 16, Madrid, 1989.

-UBERQUOI, Marie-Claire, Francia, Alemania, Suiza: Pioneros del turismo cultural, Descubrir el Arte, Nº 258, 2020, p. 30-36.

-VV. AA., Arte al detalle: Siglos XVII y XVIII, Rococó, Neoclasicismo, China: Dinastía Qing, Arte Japonés, Arte Hindú, Barcelona, 2009.

-VV. AA., Arte Universal: El Neoclasicismo, Madrid, 2009.

-VV. AA., Arte Universal: El Rococó, Madrid, 2009.

-VV.AA., Neoclasicismo y Romanticismo: Arquitectura, Pintura, Escultura, Dibujo (1750-1848), Barcelona, 2006.

-ARTE EN EL DISTRITO DE BURGELAND, EMIL BRACK: https://www.kunst-im-burgenlandkreis.de/kuenstler-alphabetisch/carl-emil-brack (Consulta: 20/11/2021).

-CHRISTIE´S, PLANIFICACIÓN DEL GRAND TOUR: https://www.christies.com/en/lot/lot-1325968 (Consulta: 20/11/2021).

-GALERÍA DE BELLAS ARTES ALTES KUNTS EN VIENA, EMIL BRACK: http://www.altekunst-vienna.com/frontend/scripts/index.php?groupId=0&productId=4676&setMainAreaTemplatePath=mainarea_productdetail.html (Consulta: 20/11/2021).

GALERÍA DE IMÁGENES 

Carmen Rodríguez 

COMENTARIO HISTÓRICO ARTÍSTICO DE LA VIRGEN DE LUCCA

CONTEXTO HISTÓRICO

Jan van Eyck fallecido en 1441 y nacido en el último decenio del siglo XIV en Maseyck es un pintor con muchas incógnitas, por no saber no sabemos en qué año nació exactamente, un menos aún con qué maestro se formó, aunque sospecha que entre sus maestros se encontraba su propio hermano Hubert van Eyck, muerto en 1426, mayor que Jan van Eycky que contaba con taller propio siendo muy considerado en su tiempo, y nada más sabemos de su formación y todo ello a pesar de  que conocemos de este pintor obras importantísimas tales como “El matrimonio Arnolfini”o “El hombre del turbante”.

El problema con este pintor es que la mayoría de sus obras conservadas actualmente no están documentadas con un texto a pesar de que firmó sus trabajos más que ningún otro artista de su tiempo.

Como hemos dicho no sabemos nada de los años de aprendizaje de Jan van Eyck y noticias suyas no tenemos hasta 1422 en que entra al servicio del duque Juan de Baviera., conde de Holanda, pasando a vivir en La Haya pero nuevamente le perdemos la pista pues no tenemos noticias de que tipo de encargos recibió.

Solo tres años estuvo bajo el mecenazgo de este conde pues murió en 1425 e inmediatamente entra al servicio de Felipe el Bueno, duque de Borgoña, esto solo puede significar que ya por aquel entonces gozaba de gran prestigio y popularidad.

Hasta 1432 no nos encontramos con un primer documento firmado por Jan van Eyck firmado en Brujas donde pasó a residir hasta el día de su fallecimiento.

Trabajó para Felipe el Bueno no solo como pintor de corte sino como varlet de chambre, puesto secundario que le permitiría viajar con algunas embajadas para tratar asuntos diplomáticos sobre todo en la organización de futuros enlaces matrimoniales.

Así se sospecha que formó parte de la embajada enviada a Valencia para tratar la negociación de un posible matrimonio entre Felipe el Bueno con una sobrina de Alfonso V de Aragón, Isabel de Urgel, a la que realizó al menos dos retratos que no se conservan, este matrimonio no llegó a realizarse y probablemente también sería enviado junto a otra embajada as Portugal para intentar otro contrato matrimonial entre el mismo duque y una hija del rey Juan de Portugal que si llegó a un buen término.

Entre 1432 y 1441 año de su muerte es dónde situar todas sus obras más conocidas y las que con más seguridad se le puede atribuir.

De esta época es la obra que a nosotros nos ocupa.

Todo pintor necesita una clientela, en el caso de Jan van Eyck sus clientes fueron gente relacionada con la Corte ducal, así como mercaderes sobre todo italianos que en aquella época abundaban en Brujas y tenían un alto poder adquisitivo.

Principalmente se dedicó a las obras religiosas y el retrato, probablemente realizaría desnudos  aunque ninguno se conserva, lo que sí tenemos es un texto de Bartolomeo Facio que cuenta como en la colección de Ottaviano de la Carda se encontraba un desnudo del maestro Jan van Eyck, se trataba de una mujer saliendo del baño cubriéndose sus partes más íntimas, la obra aparece representada en un cuadro de Willem van Haecht, pintada en 1628, si llego a realizar esa pintura podría englobarse dentro de las pinturas de vanitas.

Respecto a sus retratos realizó más masculinos que femeninos, o al menos se conserva más de los primeros, al contrario que la mayoría de los artistas no intentaba favorecer al retratado.

Respecto a sus obras religiosas nos encontramos ante obras de gran complejidad conceptual, llenas de simbolismo, realizadas para una un público muy reducido, para oratorios privados.

Fue en su conjunto un pintor extraordinario  que usaba el marco del cuadro para firmar y fechar sus trabajos, el problema es que la mayoría de sus obras han perdido el marco original de ahí la dificultad para datar obras de este pintor, que firmara y fechara sus obras sobre el marco de las mismas es signo del valor que él mismo se tenía como pintor y del que también le tenían los demás.

Las inscripciones solían estar en latín , griego o bien en la lengua materna de su madre, muchas de ellas hechas como esculpidas en mármol o resaltadas como si fueran relieves de metales nobles.

Nada sabemos de su taller que tuvo que tenerlo ni de sus discípulos, sólo podemos especular.

Al hablar de discípulos se habla de Petrus Christus pero no podemos afirmar nada.

Copistas si los tuvo , solo hay que echar un vistazo a la Virgen de Covarrubias (Burgos) o en la Virgen del Consellers del español Lluis Dalmau que estuvo en Brujas y que realizó esa obra incorporando elementos propios de Jan van Eyck.

ANÁLISIS DE LA OBRA

La Virgen de Lucca recibe ese nombre porque proviene de la colección de Carlo Luigi  de Borbón , duque de Lucca , que la vendió en 1841 , no poseemos más noticias anteriores a este hecho.

En esta ocasión y al contrario de otras imágenes de vírgenes que representa en el interior de magníficos templos aquí se sustituye por una habitación pequeña y estrecha pero no por ello menos solemne , vemos una cristalera a la izquierda tal como le gustaba al artista que recurre frecuentemente a una fuente de luz siempre en ese lado.

La virgen está amamantando al Niño se trata del tipo iconográfico de la Galactotrofusa, se establece así una relación de dependencia del Niño con la Virgen tal y como los fieles depende de su madre en este caso la Iglesia que estaría encarnada en la propia María.

sentada en un trono tallado con cuatro leones signo alusivo a la visión mayestática de María.

El niño está más cercano a modelos como el de la Virgen con el canciller Rolen o la del canónigo Van der Paele, esto nos sirve para datar la obra entre 1435 o 1436, al Niño lo vemos en parte de espaldas fórmula ya introducida por el miniaturista del Arte Internacional, llamado Maestro de las 

Iniciales de Bruselas.

Esta composición es parecida a la de la Virgen de Covarrubias que no es de Jack van Eyck pero claramente es de un copista que conocía sus obras , esta pintura se halla  en el Museo de la Colegiata de Covarrubias (Burgos) muy retocada por culpa de una mala restauración, en esta ocasión María enseña a leer al Niño en una estancia muy parecida a la de Lucca aunque en esta ocasión con una gran profusión de objetos con un claro sentido simbólico, la luz al igual que ocurre en el cuadro la Virgen de Lucca proviene de un ventanal también a la izquierda.

Se desconoce quién fue el autor y cuando ingresó en la colegiata pero no debe de extrañarnos que se encuentre allí pues Covarrubias mantuvo relaciones estrechas con Burgos la capital donde vivían muchos mercaderes que tenían casa en Brujas

BIBLIOGRAFÍA

Muela Carmona Juan... Iconografía cristiana. Ediciones Istmo.S.A. Colección Fundamentos n.º 148. 2003. Madrid.

Jan van Eyck. Yarza Joaquín.  Historia 16. El arte y sus creadores, número 5. Historia viva, S.L. 1993. Madrid.

GALERÍA DE IMÁGENES

Sonrisa elegante, Sesión 1

Ejercicio terminado

¿Te acuerdas de cuando pintamos el ojo de Mme. Moitessier? (Lo tienes por aquí.) Esta vez nos dedicaremos a la boca. Es lo más complicado de pintar, sin duda, y lo que más pedís que os explique.

Ingres, Antonia Duvaucey de Nittis, 1807

No vamos a seguir con el rostro de Mme. Moitessier pues no nos sirve de mucho en esta ocasión. Elegí este retrato, también de Ingres, el de Antonia Duvaucey de Nittis (1807): una chica joven, sin arrugas, y con una media sonrisa, muy elegante (e irónica). Es uno de los primeros retratos que pinta Ingres en su estancia en Roma; hoy se encuentra en el Musée Condé, en Chantilly. Te propongo pintar sólo su rostro para no complicarnos; nos centraremos en su boca.

Fragmento del cuadro que vamos a copiar

Como te decía en aquella oportunidad, para practicar conviene que hagas tu autorretrato. Yo te voy a ir indicando los pasos a partir de esta obra de Ingres: puedes copiarla, pero lo ideal es que pintes lo que tienes más a mano y conoces muy bien, o sea, tú mismo.

Antes de ponernos a dibujar, vamos a analizar este retrato: está sentada en un sillón, medio de lado, y su mirada se dirige a nosotros de manera frontal. Su rostro es totalmente simétrico, con lo cual nos facilita mucho las cosas. Lo más difícil en el retrato es captar el gesto y la actitud del personaje y esto se da con la mirada y la boca, las 2 simultáneamente (además de la actitud corporal, si es un retrato de cuerpo entero). Por eso hay que trabajar siempre pensando en el conjunto, para que no te quede como una caricatura.  

Y por supuesto, en el retrato no hay líneas marcadas. La regla de oro siempre es difuminar, difuminar y difuminar.

El primer paso es dibujar someramente los elementos fundamentales. Observemos la estructura. Tenemos un eje central que va desde la raya del peinado, pasando por la nariz hasta el mentón. Luego tenemos 3 franjas horizontales que ocupan la frente, la zona de los ojos y nariz y, por último, la boca y el mentón. Las líneas que delimitan estas zonas pasan por encima de las cejas y por debajo de la nariz. Las 3 franjas suelen ser del mismo alto en un retrato proporcionado y armónico, pero, ya sabes, puedes encontrar personas con frente más ancha, nariz más larga, etc.

Seguidamente, construimos un triángulo invertido cuyo vértice está fijado en el mentón. Los otros 2 ángulos están ubicados en el extremo exterior de cada ceja, pasando por el rabillo de cada ojo. Estas líneas nos sirven para determinar los límites de la boca y el tamaño de los ojos. Dibuja la nariz con un solo trazo con la línea superior de las cejas. Una vez que tienes esto puedes marcar dónde van los ojos. La separación entre uno y otro es igual a la medida de un ojo. Las orejas deben de estar dentro de la franja horizontal central.

Esto mismo lo puedes aplicar en cualquier retrato, aunque debes considerar las proporciones que correspondan en cada caso.

Ya podemos empezar a pintar. Estoy trabajando sobre papel texturado para óleo, imprimado con Gesso. Puedes empezar a pintar con trementina y luego seguir con médium o aceite de linaza. Aunque no hay ningún impedimento técnico, no te recomiendo pintar todo el cuadro con trementina: la capa de pintura te quedaría sin cuerpo, demasiado aguado, y sin el brillo y suavidad que buscamos para representar a este tipo de piel joven. Usaremos pinceles planos sintéticos y agregaremos algún pincel de punta fina para los detalles. Tienen que ser pinceles de pelo suave.

Esta vez usaremos los siguientes colores: blanco de titanio (o mejor, de zinc), ocre amarillo, rojo de cadmio medio, tierra Siena tostada, sombra tostada, sombra natural, verde esmeralda y carmín.

¡Manos a la obra! Como primer paso tenemos que cubrir el soporte y fijar las zonas de color. Comenzamos primero por el fondo. No tiene demasiadas complicaciones: aplicamos de manera uniforme una mezcla de tierra sombra tostada, negro y rojo. Luego seguimos con el sillón, con rojo, ocre y tierra sombra tostada.

Ya podemos trabajar en el rostro de Antonia. Comenzamos por el peinado: lleva una diadema en negro, que casi ni se distingue del fondo. El pelo lo pintaremos con tierra sombra tostada y negro, aplicando la pincelada en la dirección del pelo. La raya del peinado la representaremos después. Con negro marcamos la parte del vestido que se ve en la porción de nuestra copia.

Tenemos que encontrar el tono medio de la piel, o sea, ni el más claro ni el más oscuro. Para ello preparamos una mezcla de ocre, tierra Siena tostada y un poco de verde esmeralda (te lo expliqué aquí, a cuento del ojo de Mme. Moitessier). Aplicamos esta mezcla por el rostro y por el cuello, sin perder el dibujo de base. La dirección de la pincelada en el cuello debe ser horizontal. La cuenca de los ojos la pintamos con tierra Siena tostada; los ojos, por ahora, con un gris claro. La boca, también con tierra Siena tostada. Y lo mismo: marcamos con este color la sombra de la nariz.

El collar lo dejaremos para el final.

Recuerda siempre: un retrato se pinta por etapas equilibradas, todo a la vez. No cometas el error de pintar una parte hasta el último detalle y dejar el resto para después. En cada etapa todas las zonas del rostro deben estar en el mismo nivel de ejecución. Si estás pintando un retrato de cuerpo entero, el rostro se deja para el final.

Creo que será mejor que lo dejemos aquí por esta vez. ¡Practica frente al espejo!

 Nos vemos en la próxima sesión.

¡No te olvides de limpiar la paleta y los pinceles!

Hoy aprendiste:

- a dibujar un rostro femenino en posición frontal,

- a preparar el tono de la piel

- y a trabajar en etapas equilibradas.

 

Bibliografía

DOERNER, Max: Malmaterial und seine Verwendung im Bilde, 1985

GRIMME, K.H. Ingres, 2007

MAYER, Ralph: The artist’s handbook of materials and techniques, 1991

©2022 Cristina del Rosso